Revolución técnica y a la vez fenómeno social, el vuelco hacia la imagen digital se ubica entre el pequeño número de mutaciones que han transformado a profundidad nuestras prácticas y modificado nuestra percepción del mundo.
Auténtico cuaderno de viaje de la experiencia digital, traducido al italiano y alemán- la obra del historiador francés
André Gunthert, , uno de los mejores observadores de la cultura visual, propone una primera historia de estos nuevos usos.
Reconstruye los detalles de los debates registrados a lo largo de su eclosión: el periodismo ciudadano, la cultura de la compartición, la participación de los amateurs, la reconfiguración de la información, la imagen conversacional, la consagración del la selfie, entre otros temas.
Un análisis indispensable para mejor entender el sitio de la imagen fluida—desmaterializada, conectada, compartida— en el universo contemporáneo, con sus nuevas funciones de expresión, de comunicación o de socialización.
El color domina el campo de la fotografía contemporánea. Sin embargo, nunca había sido objeto de un estudio a profundidad. Considerado la mayoría de las veces sólo desde el punto de vista técnico, el color ha sido ignorado o ha ocupado un lugar discreto en las obras sobre fotografía.
Durante mucho tiempo su historia ha sido la de su marginación. Lejos de un acercamiento técnico, este libro contempla la fotografía en color como un fenómeno estético y cultural.
Escrito por Nathalie Boulouch, la mejor especialista francesa del tema, este ensayo, acompañado por más de 50 extraordinarias fotografías, propone una auténtica historia del reconocimiento artístico de la fotografía en color en el siglo XX, del autocromo al al arte más contemporáneo, pasando por figuras mayores como Edward Steichen, Edward Weston y Luigi Ghiri, pero también Guy Bourdin, William Eggleston, Stephen Shore, Martin Parr, Rinko Kawauchi y Andreas Gursky entre muchos otros.
Hoy día parece obvio reconocer el estatuto artístico de la fotografía, sobre todo cuando los museos de arte se interesan cada vez más por su presencia en los acervos, en un proceso desencadenado por el MOMA poco después de su fundación, en 1929. Más aún cuando se observa la inexorable persistencia de lo fotográfico en la producción artística del siglo XX, principalmente desde la posguerra hasta la actualidad.
El contenido de este libro parte de presupuestos que van más allá, por un lado, de la simple inserción museológica de la fotógrafa y, por el otro, de su trayectoria inicial de afirmación, vinculada con la mimetización del arte, ampliando sus horizontes, como ya había anunciado Walter Benjamin en sus ensayos inaugurales sobre los cambios que acarreó la reproductibilidad técnica de la imagen.
Nacida en Nápoles, Italia, peroradicada en Brasil desde la adolescencia, Annateresa Fabris es una investigadora incansable que tiene el mérito de haber inaugurado en este país, desde fines de la década de 1970, un campo de investigación proficuo sobare las relaciones no siempre pacíficas entre la fotografía y el arte. Con sus libros y ensayos, la autora ha construido un importante legado para la historiografía del arte partiendo de este enfoque. Extracto del texto del compilador, Alexandre Santos.
ISBN: 9786079528690
216 páginas.
305 pesos.
Luego de sorprender con su"Breve historia del error fotográfico", Clément Chéroux ha escrito un ensayo que explora la frontera entre la fotografía artística y la foto tomada por aficionados. A fin de mejor comprender la fuerza poética de este medio, Chéroux examina algunos de los trabajos más desconcertantes en la historia dela fotografía, como son los retratos de escaparates tomados por Atget, las fotos de feria que fascinaban a los surrealistas, la extraña evolución de la fotografía espiritista y la influencia de la foto en el cine de Georges Méliès.
Si las fotos tomadas por amateurs carecen de calidad o valores estéticos, como afirman tantos, se pregunta, ¿por qué las han retomado los más grandes artistas de vanguardia, como Man Ray y Moholy-Nagy, por no hablar de Martin Parr, Cristian Boltanski o Sophie Calle? Chéroux nos invita a defender lo que tienede especial la fotografía, sin perder de vista que un aficionado puede producir una imagen interesante en menos de un segundo.
ISBN: 9786079528676
160páginas.
260 pesos.
En 1983 Philippe Dubois publicó El acto fotográfico, que fue traducido a más de veinte idiomas, y junto a los libros de Walter Benjamin, Roland Barthes y Susan Sontag se convirtió en un punto de referencia indispensable en la reflexión sobre fotografía. Con ese libro Dubois enriqueció nuestra comprensión de la naturaleza de la imagen fotográfica al indicar que esta implica tanto el instante en que se produjo la toma como el momento de su contemplación.
Ahora, luego de seguir de cerca la evolución del arte y la técnica durante los últimos treinta años, Dubois inaugura una nueva manera de entender la esencia híbrida e impura de la imagen. Convencido de que en nuestra época "el mejor revelador de la fotografía se encuentra fuera de ella" Fotografía & Cine examina el territorio en el que el cine se hace foto, a través del panorama fotográfico; o la fotografía se hace película, en casos como La Jetée; demuestra la presencia de un "efecto-cine" en la creación fotográfica contemporánea y esclarece los rumbos que han tomado cine fotógrafos como Raymond Depardon, Agnès Varda, Robert Frank, Hollis Frampton o Chris Marker.
El libro termina con un examen de la imagen y de la experiencia misma del acto de ver en la actualidad, a partir de los artistas que trabajan a partir de fotogramas de películas, que ponen a prueba el movimiento de las imágenes, de los que adoptan el universo visual de la cámara estenopeica y de aquellos que mezclan cine, video, medios digitales e impresos, a la manera de Eric Rondepierre, Hervé Rabot, Michel Lamonthe o Victor Burgin. Fotografía& Cine, la nueva aportación de ese ensayista fundamental que esPhilippe Dubois, nos invita a mirar el futuro de la imagen.
ISBN: 9786079528669
320 páginas.
305 pesos.
Quien crea que las imágenes de violencia y barbarie se han vuelto infinitas estará de acuerdo con Georges Didi-Huberman en que vivimos en la época de la imaginación desgarrada. Acaso por el carácter candente del mundo de hoy la imagen se impone con tanta fuerza en nuestro universo estético, cotidiano, político, histórico: nunca antes mostró tantas verdades tan crudas, nunca antes nos mintió tanto ni experimentó tantas manipulaciones, nunca sufrió tantas censuras, nunca se habían refinado tanto las estrategias para destruir una fotografía incómoda.
Y sin embargo, la imagen sobrevive, como un objeto salvado de un incendio. Nos invita a mirarla, a recuperar la emoción de descubrirla, nos revela un secreto. Para advertirnos de los riesgos de una mala o incompleta interpretación de una imagen, Didi-Huberman repasa los hallazgos de aquellos teóricos y artistas que intentaron producir un conocimiento crítico sobre las imágenes, de Freud y Aby Warburg, Benjamin y Deleuze a artistas como Goethe, Eisenstein o Man Ray.
El resultado son dos ensayos que plantean preguntas esenciales: qué clase de conocimiento puede generar la imagen fotográfica, qué clase de contribución al conocimiento histórico es capaz de aportar; y si una imagen bien mirada, una imagen en llamas puede desconcertar y después renovar nuestro lenguaje y por ende, nuestra manera de pensar.
ISBN: 9786079528652
140 páginas.
125 pesos.
Consciente de que la historia de la fotografía tal como la conocemos está a punto de terminar, Régis Durand nos invita a revisar la naturaleza de esta práctica: ¿Ha sido tan solo el arte más fetichista por excelencia, como quieren sus detractores, o bien ha desarrollado algo propio, que nada, ni siquiera el cine puede igualar? ¿Cuáles han sido las transformaciones fundamentales que ha experimentado? ¿Cuáles, los debates que ha suscitado este singular simulacro desde sus orígenes hasta nuestros días (y cuáles se han vuelto ociosos)? Y una de las cuestiones que Durand ha desarrollado a lo largo de su obra: ¿en qué medida podemos afirmar que las fotografías piensan, y cómo se verifica dicho pensamiento?
Tomando como punto de partida la obra de algunos de los artistas contemporáneos más emblemáticos, de Robert Frank a Jeff Wall y deBernard Plossu a Rineke Dijkstra, Régis Durand nos invita a revisar el lugar de la fotografía en el mundo del arte, las funciones, distinciones y vías que ha aportado a la creación actual. Al preguntarse si la imagen fotográfica genera un espacio mental particular, compartido con el espectador mediante procedimientos que le son propios, Durand subraya lo que la foto tiene de desafío, de esplendor, de nostalgia y de auténtica indagación sobre el tiempo.
ISBN: 9786079528645..
200 páginas.
220 pesos.
La fotografía, tal como la hemos entendido ahora, está llegando a su fin, y con ella una manera de representar al ser humano. Las nuevas tecnologías que permiten generar imágenes han superado algunas de las limitaciones de la fotografía análoga pero también nos han enfrentado, de manera no siempre consciente, a retos inimaginables.
A la vez que aumentan los casos de manipulación de contenidos, de uso inmoral o engañosos de una imagen, las nuevas tecnologías nos invitan a construir una fascinante "hiperfotografía", donde la imagen se convierte en un medio interactivo que se enlaza y explica a sí misma, se enriquece y evoluciona minuto a minuto. Ayudada por las cámaras omnipresentes, las redes sociales, los programas que permiten retocar una toma, y los juegos virtuales que emplean imágenes humanas, la fotografía digital no sólo está cambiando nuestra concepción del mundo o nuestra noción de arte, sino la imagen que tenemos del ser humano -y es que nosotros también nos transformamos, nos volvemos imágenes en potencia.
En Después de la fotografía Fred Ritchin, uno de los principales especialistas que han contribuido a desarrollar la revolución digital, ofrece el más brillante análisis posible de las nuevas imágenes al tiempo que propone los parámetros para analizar la naciente "meta-imagen" fotográfica, que muy pocos creadores se han atrevido a explorar.
ISBN: 9786079528638..
250 páginas.
220 pesos.
Convencido de que las diferencias entre un aficionado y un artista se hacen evidentes al comparar trabajos que abordan asuntos similares, Geoff Dyer nos invita a clasificar los temas que la fotografía ha desarrollado a lo largo de su historia. Partiendo de que hay asuntos e incluso personajes que, entrevistos en una foto de mediados del siglo diecinueve parecen reencarnar frecuentemente, uno de los más brillantes escritores ingleses de la actualidad examina la vida secreta de los sombreros, los ciegos y su invitación a reflexionar sobre el sentido de la vista, el impulso que nos lleva a fotografiar un desnudo, las camas deshechas, las fotos tomadas desde un vehículo en movimiento; las gasolineras solitarias y los umbrales hacia otra realidad, ya sean escaleras, puertas, fotos de guerra o inquietantes salas de cine vacías.
De Eugène Atget a Nan Goldin (y pasando porlos encuentros o desencuentros entre Atget y Talbot, Stieglitz y Strand, Evansy Frank, Arbus y Sugimoto, Eggleston y Shore) Dyer analiza los elementos que han interesado a generaciones de fotógrafos, así como los homenajes, diálogos y desafíos que se han dado entre artistas que no dudan al disparar el obturador contra los temas que parecían exclusivos de sus rivales o maestros. En esta clasificación tan profunda como divertida de la tradición fotográfica, la mirada de Dyer nos ayuda a descubrir cómo se ven ciertas cosas cuando han sido retratadas, y sugiere que en la fotografía no hay tiempos muertos, sino un solo, intenso momento interminable, creado por sus devotos practicantes.
Celebrado como uno de los más originales y talentosos escritores europeos de su generación, Geoff Dyer es autor de 11 libros de novela y ensayo, entre los que sobresalen Amor en Venecia, Muerte en Benarés (Mondadori), ganador del Premio Bollinger Everyman Wodehouse y But Beautiful, que obtuvo en 1992 el Premio Somerset Maugham. Colaborador de The Guardian, The Independent y The New York Times, también ha editado los Selected essays de John Berger y fue coeditor, con Margaret Sartor, de What wastrue: the photographs and notebooks of William Gedney. En el libro que el lector tiene en sus manos Dyer pone su inteligencia y sensibilidad literaria al servicio de la fotografía.
ISBN: 9786079528621
240 páginas.
305 pesos.
En este pequeño y renovador ensayo, Clément Chéroux nos propone una historia de la fotografía contada a través de sus errores. Lejos de presentarnos un simple museo de equivocaciones y de horrores, el conservador de fotografía del Centre Pompidou retoma algunos de los iconos fotográficos más representativos, así como una serie de imágenes anónimas para demostrarnos de qué manera ciertos intentos fallidos han contribuido a impulsar los alcances y la evolución de la fotografía.
Culturalmente, la foto está ligada a su capacidad para copiar la realidad: mientras más cercana esté la imagen de transcribir la verdad por todos aceptada, menor será la posibilidad de obtener lo que se considera un error. Sin embargo, no todos los creadores han compartido esta opinión, de manera que los errores de Adolphe-Eugene Disderi, Laszlo Moholy-Nagy, Jacques-Henri Lartigue, Andre Kertesz, Eugene Atget o Lee Friedlander aportaron un punto de vista personal, cuando no una propuesta estética innovadora que nos cuestiona: ¿de qué depende que una misma foto sea considerada un error y luego un logro artístico?
A fin de cuentas, provocar o evitar un accidente fotográfico requiere el mismo esfuerzo, y como decía ManRay, en cuanto un creador domina sus errores, los asimila y convierte en parte de su estilo. Este iluminador ensayo de Clément Chéroux nos demuestra cómo, a través de sus accidentes, la fotografía se libera, y en qué medida el error es una herramienta que permite analizar mejor la compleja naturaleza del arte fotográfico.
ISBN: 9786079528607
180 páginas.
Precio de venta al público:
330 pesos.